Lance Wyman: el famoso diseñador a cargo de la iconografía del Cablebús

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El recién inaugurado Cablebús en la CDMX tuvo al importante diseñador estadounidense Lance Wyman en el trabajo de su imagen institucional; con la intención de dar continuidad e integración a la imagen de la Red Movilidad Integrada de la Ciudad. Además, Wyman es famoso por haber participado en el diseño de las iconografías de las líneas 1,2 y 3 del Metro y como parte del equipo de producción de los Juegos Olímpicos México 1968.

La iconografía del Metro ha dado identidad a la CDMX y lo mismo se planea hacer con el Cablebús. En primer lugar, guía a los pasajeros en las líneas del transporte; y en segunda instancia, su diseño trasmite identidad a cada estación; rememora la etimología de sus nombres, la historia de los sitios o sus espacios más emblemáticos. Por lo cual, la Ciudad adquiere su fisonomía característica: mediante imágenes que acompañan en el día a día y que los residentes van dotando de significado con sus vivencias.

Cablebús: el diseño de su imagen en manos de Lance Wyman

Foto: Cortesía Graffica.info

Lance Wyman es reconocido por ser un maestro en el diseño de logotipos. El neoyorkino nacido en 1937 se formó en el Pratt Institute de Brookyn. La mayor parte de su trabajo profesional se ha desarrollado en México. Fue creador del logotipo de los Juegos Olímpicos de México 1968, la gráfica institucional del Metro de la CDMX y el logo de Movilidad Integrada. Así, las pictografías diseñadas por Wyman tienen un diseño único que patenta identificación inmediata y funcionalismo.

Confirmado: Línea 3 del Cablebús se construirá en 2022

Sin importar la nacionalidad o lengua pueden entenderse fácilmente lo que da a los diseños de Wyman un sentido de universalidad; presente en la Línea 1 del Cablebús. El ícono retoma la forma de la cabina de los teleféricos, conceptualmente contiene su letra inicial C y su inclinación refleja el movimiento característico de este transporte. La cromática también añade un distintivo: azul cielo por ser un medio elevado.

La creación de la iconografía de las estaciones retoma hitos de la zona según Wyman

Foto: Cortesía Gobierno de la CDMX

La Línea 1 del Cablebús inició operaciones este pasado domingo 11 de julio. Va desde Cuautepec hasta Indios Verdes, en la alcaldía Gustavo A. Madero. Es el primer sistema teleférico de transporte público y cuenta con una longitud de 9.2 kilómetros repartidos en seis estaciones. Busca disminuir los tiempos de traslado de la población brindando un servicio aéreo innovador. Con un costo de siete pesos se podrá acceder mediante la Tarjeta de Movilidad Integral. Reduciendo a 30 minutos un trayecto de hasta dos horas.

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Cabe destacar, que la iconografía de las seis estaciones fue diseñada por Lance Wyman retomando hitos y lugares emblemáticos de los sitios que conforman esta primera línea equipada con 377 cabinas, que podrán transportar hasta 15 pasajeros con todas las medidas de seguridad:

1) Cuautepec: el ícono de esta estación hace referencia a la etimología en lengua náhuatl que significa cerro de águila y se corona con la silueta del águila real mexicana.

Foto: Cortesía Gobierno de la CDMX

2) Ticomán: muestra la figura de un jugador de pelota, encontrada en el sitio arqueológico del mismo nombre y conservada por el Museo Nacional de Antropología e Historia. Uniendo tradición prehispánica con movilidad contemporánea.

3) La Pastora: se utilizó una imagen de borrego con campana, haciendo referencia a la domesticación ancestral del ganado bovino.

Foto: Cortesía Gobierno de la CDMX

4) Campos Revolución: retoma su nombre de las emblemáticas canchas de fútbol ubicadas en las inmediaciones de la nueva estación.

5) Tlalpexco: esta iconografía retoma la imagen del Cerro del Chiquihuite, referencia geográfica clave al norte de la Ciudad, donde se ubican las antenas de telecomunicación de la región.

6) Indios Verdes: para esta estación se retomó el ícono de las estaciones del Metro (Línea 3) y el Metrobús (Línea 1), para facilitar la comunicación entre los diferentes transportes.

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Las innovaciones de Lance Wyman para el Cablebús y otros trabajos en México

Una de las innovaciones de Lance Wyman para el trabajo de diseño gráfico e industrial del Cablebús es la incorporación de una señalética inclusiva. Muestra un pictograma con silueta femenina en vestimenta casual para añadir a los múltiples usuarios del transporte y sus diversas actividades.

Foto: Cortesía Twitter Lance Wyman

Por último, Wyman ha participado en el diseño del logo de ECOBICI, el cartel de la Central de Abasto, el Museo Marco de Monterrey, el Papalote Museo del Niño y el logo para el Día Mundial de la Tierra. En palabras de Wyman: la iconografía enriquece el imaginario colectivo, desarrolla la comprensión del lugar de forma universal y el logo se convierte en un embajador visual de impacto social para mejorar las condiciones de vida humanas.

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Eugenia García Fernández

7 artistas digitales que debes conocer en esta era

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El arte se ha transformado a través del tiempo. Hemos pasado de apreciar un bello lienzo del siglo XIX a muestras de arte inmersivo que proyectas cuadros con vida. El arte ha encontrado nuevos caminos y plataformas para comunicar. En nuestra era, cada vez escuchamos más de nuevas formas de arte digital, como las recientes subastas de arte NFT, o el concepto de Crypto Arte. Para que te asombres tanto como nosotros, queremos presentarte a 7 exponentes de arte digital. Estos artistas digitales te sorprenderán son sus nuevas expresiones. Algunas de estas obras distópicas se han subastado por criptomonedas como bitcoin y ethereum.

7 artistas digitales de esta nueva era

1. Hackatao

Sergio y Nadia son el dúo dinámico que trabaja bajo el pseudónimo de Hackatao. Considerados pioneros del criptoarte, han vendido 530 obras por más de 4 millones de dólares. Su propuesta surge desde la idea del Yin y el Yang. Sus primeras creaciones se llaman “Podmorks”, y son unas criaturas totémicas, esculpidas en cerámica y decoradas con dibujos y acrílico.

Hackatao ha tenido exposiciones a nivel mundial y colaboraciones con otros artistas y creadores utilizando realidad 3D.

En el alma del proyecto se discuten temas de la sociedad actual y se valoriza la participación de los artistas. La trayectoria de Hackatao comenzó en 2005, en Milán, y actualmente produce una obra de arte digital complementaria a la icónica pieza de Leonardo da Vinci, Head of Bear que se subastará en el mes de julio en la famosa casa de subastas Christie’s en Londres.

 

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2. Beeple

Beeple es un artista y diseñador que realiza una gran variedad de obras de arte digitales en los que se encuentran cortometrajes, trabajos de realidad virtual y un proyecto llamada everydays que consiste en crear una imagen de principio a fin todos los días. Beeple hace a través de sus obras una crítica social contundente y utiliza elementos pop de manera anexa.

Una de la ventas más costas de un NFT hasta el momento ha sido “Everydays: the First 5000 Days” de Beeple, subastada por 69 millones de dólares por la casa de subastas Christie’s.

Instagram beeple_crap

3. Mark Klink Digital Art

Este artista digital se autodenomina profesor, alguna vez artista y programador ocasional.

Mark Klink tiene las categorías visuales como fallas 3D, cabezales de licuadora y flores sintéticas. El artista utiliza un programador informático multiplataforma que sirve para crear gráficos tridimensionales llamado Blender y con ello crea fallas en el modelado  para crear piezas únicas. El “Glitch Art” está en tendencia.

Imagen de blog

4. Blacke Kathryn

La industria comercial, la moda, el arte y la tecnología son los elementos clave que Blacke Kathryn resalta a través de sus obras digitales. Al mirarlas te transportarás a mundos fantásticos bajo una paleta de colores brillantes en increíbles tonos pastel. La artista contemporánea realiza transmisiones en twich realizando estas piezas. ¡Échale un vistazo!

Su mundo surrealista te volará la cabeza.

facebook Blacke Kathryn 

¿Qué es un NFT y cómo funciona?: La nueva era digital

5. Giant Swan

El crypto art ha tomado fuerza y Gigant Swan lo sabe, este artista vende sus obras a través de diferentes medios por medio de Blockchain como OpenSea. El pintor y escultor de realidad virtual utiliza el movimiento para darle vida a sus obras.

Mira más de sus obras a través de su instagram.

 

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6. Adam Martinakis

Miembro de la Camara de Bellas Artes de Grecia, Adam crea más que cuerpos unidos y entrelazados, que hacen una sola pieza uniforme. Este artista digital invita a los espectadores a que se concentren en las vibraciones vitales humanas y a experimentar la perspectiva del vacío. Sus obras futuristas están cargadas de simbología. Son piezas únicas. Míralas aquí

7. Frenetik Void

El mundo disruptivo de este artista visual está lleno de ciencia ficción. Frenetik Void proyecta una realidad alterna posible y nos muestra un universo post-humano. ¡No dejes de mirar sus obras que ya están a la venta en NFT por la plataforma knownorigin.io.

 

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¿Qué es el Crypto arte? Coleccionismo en la era digital

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Fernanda Navarro

Nueva entrega del podcast del MUAC analiza la precariedad laboral en la cultura

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¿Cómo se manifiesta la precariedad laboral en el medio cultural mexicano? La pandemia hizo visible los mecanismos a los que están sometidas las y los trabajadores del sector cultural, museos, instituciones, proyectos y muchos otros espacios en donde se carece generalmente de seguridad social y otras prestaciones ganadas históricamente en diversas luchas sociales.

Analizan precariedad laboral en sector cultural en la nueva entrega del podcast del MUAC

En “Precariedad cultural”, episodio cinco, el más reciente capítulo de Punto Ciego, el podcast del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), perteneciente a la colección de contenidos del proyecto de #PodcastCulturaUNAM, un grupo de museógrafas y curadoras analizó el urgente tema de la precariedad laboral en el sector mexicano de la cultura y las artes, detallando y revisando diversas prácticas nocivas tanto en instituciones públicas como privadas.

¿Qué quiere decir ser una o un trabajador cultural en México? Para ahondar en el tema fueron invitadas a participar en la nueva entrega del podcast Punto ciego, las especialistas María Minera, Irmgard Emmelhainz, la Baby Solís, Alma Cardoso, Nuria Sadurní, además de unx invitadx especial que optó por el anonimato, para compartir sus reflexiones, experiencias y perspectivas.

Las invitadas de esta entrega dedicada a la precariedad, recalcaron que no se trata de un fenómeno nuevo ni mucho menos exclusivo del sector cultural, sin embargo sí de una realidad que recrudeció con los recortes de presupuesto y la pandemia, dejando expuestas a numerosas productoras y productores.

Uno de los puntos centrales de la discusión es que ellas y ellos, trabajadores implicados en el sector cultural, a quienes se les exige una preparación especializada que no es remunerada equitativamente, se ven continuamente en la obligación de soportar retrasos en los pagos, a adoptar una flexibilidad laboral y, a veces, a colaborar contra su voluntad trabajando horas extras y haciendo uso de sus contactos personales.

Otro punto importante retomado por las especialistas, fue que a pesar de que en el mundo cultural la fuerza de trabajo se nutre en su mayoría de mujeres, irónicamente se suele estar más expuesta cuando se es mujer. Asimismo cuando se opta por la maternidad o cuando se llega a la vejez. La continua merma de derechos para las y los trabajadores de este sector sumerge sus economías en un bucle de desgaste, tensión y vulnerabilidad. ¿Qué se puede hacer al respecto?

Cien del MUAC. Revisión crítica de la colección del museo

Si deseas conocer más sobre este debate, no te pierdas esta nueva entrega de Punto Ciego, podcast a cargo de Sol Henaro y Virginia Roy, curadoras del MUAC, en la podrás escuchar las reflexiones de primera mano, de un grupo de mujeres que laboran, habitan y se desempeñan actualmente en proyectos, espacios e instituciones culturales.

#PodcastCulturaUNAM es un proyecto y una plataforma ideada para llegar a las audiencias de internautas jóvenes (y no tan jóvenes) que han migrado a lo digital y que buscan, entre los servicios de streaming, la pista de esa conexión inteligente que surge en las salas de concierto, frente a una obra de teatro, al recorrer una exposición de arte, en la conferencia de algún especialista o leyendo el libro añorado. Y que buscan, también, contenidos especializados en temas culturales. Sigue sus contenidos en: https://cultura.unam.mx/podcast

TeatroUNAM presenta los monólogos sobre la pandemia “Háblame, extraño”

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Cultura UNAM

TeatroUNAM presenta los monólogos sobre la pandemia “Háblame, extraño”

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“Qué irresponsables. La aglomeración. Sólo salgan a lo esencial. ¿A qué salimos? ¡A qué! ¿A jalar el pan? No, a vibrar alto”, se interroga una mujer frente al espejo mientras se quema el brazo con un cigarrillo en una videocharla alucinante, llena de cortes abruptos. “Háblame, extraño”, de Alejandra G. Arce y S. R. Hormigo, bajo la dirección de Emiliano Aquino, surgió durante la pandemia como un experimento de redes sociales que juega con la idea de una charla de Zoom donde la oscuridad, lo raro o delirante de cada personaje surge a cuadro.

Actores Anónimos, teatro para plataformas digitales en tiempos de cuarentena

TeatroUNAM lleva la soledad, lo perturbador y los miedos de la pandemia a la sala de videochat con “Háblame, extraño”

La obra, que reúne 10 monólogos, se presenta en transmisión gratuita, desde finales de junio y hasta el 25 de julio del 2021, por Facebook/Teatro UNAM y Youtube/Teatro UNAM. Se trata de un proyecto audiovisual que fue seleccionado a través de la convocatoria del programa de Incubadoras de Grupos Teatrales 2021, y en el que colaboró también el Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM.

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La trama de Háblame, extraño tiene lugar en una sala de videochat, en la cual los personajes comparten rarezas, vivencias y locuras generadas por la soledad del aislamiento. Todo tiene lugar durante los eventos del confinamiento ocasionado por la pandemia de COVID19, en donde un grupo de desconocidos se sirve de una sala de videochat para exponer sus experiencias, deseos y excentricidades. A través de un conjunto de escenas que van de lo cotidiano hasta lo extraordinario y perturbador, cada individuo conseguirá para sí compasión o repulsión, aclaración o confusión y, lo más importante, liberación a través del infalible contacto humano.

Háblame, extraño, un proyecto audiovisual de Teatro UNAM

La idea vino de la búsqueda de historias pensadas para los medios digitales, en los que el internet y el lenguaje audiovisual conviven y generan ficciones para la pantalla. Al trabajar en esta obra la primera motivación de los actores fue encontrar un lenguaje propio para dicho medio; algo sintético pero de alto impacto visual y que pudiera adaptarse.

Sobre la experiencia del proyecto los mismos actores señalan que “gracias a esa búsqueda formal encontraron un discurso con el que todos los hacedores del proyecto se sentían identificados: durante este tiempo de aislamiento hemos sentido la necesidad de comunicar nuestros temores, no obstante, la soledad se ha vuelto un impedimento, nos percatamos de la importancia de vivir en compañía.”

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Háblame, extraño es un proyecto audiovisual de Incubadoras de TeatroUNAM dirigido a alumnos de teatro, que también busca que los involucrados puedan experimentar su trabajo de manera profesional en diferentes áreas, como el escenario, conocimientos sobre gestión, administración, producción, y todas aquellas acciones que rodean la construcción del hecho escénico.

El elenco de la obra está integrado por: Carlos Nava, Alejandro Alcántara, Cinthya Damián, Quetzi Morett y Neri Rojas.

Cien del MUAC. Revisión crítica de la colección del museo

El equipo creativo está conformado, en la dirección; Emiliano Aquino; asistente de dirección, Andrea Pineda; dramaturgia, Alejandra G. Arce y S. R. Hormigo; producción ejecutiva, Sheila Piedra y Amanda Vega; coordinación Técnica, Laura Retiz; diseñadora de sonido, espacio e iluminación, Arizbeth García; diseñadora de vestuario, maquillaje y efectos especiales, Samantha Salinas; animación, María Fernanda Aquino López; edición de video, Bernardo Escamilla López; y edición de audio, Arizbeth García.

Al acercarse a este propuesta escénica le recomendamos al público recordar que el contenido de este video tiene lenguaje inapropiado y escenas de violencia, no aptas para menores de edad. Para mayor información consulta www.teatrounam.com.mx

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Cultura UNAM

Soho House, el club más famoso y exclusivo del mundo, llegará a México

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Nick Jones, creador de Soho House, es un emprendedor y restaurantero inglés que tenía un propósito: cambiar para siempre el viejo modelo de los clubes privados, donde reinaba el cognac, los hombres de traje millonarios y políticos.

En 1995 abrió el primer Soho House en dicho barrio de Londres, justo arriba de su restaurante Cafe Boheme. La idea era conectar a la comunidad creativa, cineastas, escritores, artistas… clientes habituales que visitaban el Cafe Boheme.

Soho House de Londres a Nueva York y ahora México

Después de abrir un par de Houses en Londres, el proyecto cruzó el Atlántico y se instaló primero en Nueva York y después en Hollywood. Ahora cuenta con sedes en Berlin, Mumbai, Barcelona, Mykonos y Hong Kong.

Soho House se volvió famoso mundialmente gracias a un capítulo de Sex & The City, cuando una de las protagonistas roba una tarjeta de socio e ingresa al club.

Algunos conceptos que son habituales en las Houses (u hoteles/centros creativos): cuartos de lujo, piscina, spa, gimnasio, cine, bares y restaurantes.

Las Houses cuenta con espacios de networking donde se puede comer.  Generalmente abren todo el día y la noche. Puedes ordenar de  desayunos a cenas. Su bar es de los mejores de cada ciudad donde se encuentra una sede.

Un club privado y de lujo para las mentes creativas

Para ser miembro además de pagar entre 1,500 y 2,000 € anualmente, también se necesita los siguientes puntos: ser miembro de una  una profesión creativa (nada de abogados, contadores, políticos o gente de finanzas) y ser recomendado por mínimo otros dos miembros.

En caso de ser seleccionado y pagar la anualidad, Soho House cuenta con reglas que no se pueden romper: no se permite la entrada a los socios con traje y corbata, ni tampoco se pueden tomar fotos de celular.

Por primera vez, Soho House llegará a América Latina, específicamente a México. Y con mayor detalle, a la Roma.

Soho House DF (probalemente el nombre cambie) se ubicará en una mansión porfiriana. Aún no hay fecha de inauguración, pero será uno de los lugares que cambiarán no solo a nuestra ciudad, sino a toda la región.

 

 

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Josue Corro

World Press Photo 2021 y exposiciones en el Museo Franz Mayer en julio

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El World Press Photo 2021 es uno de los eventos más esperados por los fotoperiodistas a nivel mundial. En él se premian a las cámaras más audaces que lograron capturar en una toma un momento inolvidable para la historia de la humanidad. Fue fundado en 1955 y tiene como sede la capital de los Países Bajos: la ciudad de los canales Ámsterdam.

Esta muestra fotográfica  llega este julio al Museo Franz Mayer. Este recinto museístico tiene una cartelera insuperable para este verano, que incluye la exposición El universo de un Diseñador: Alexander Girard. Checa al final de la nota porque tenemos una sorpresa increíble para nuestros lectores.

World Press Photo 2021: las impresionantes fotos nominadas

El World Press Photo 2021 arriba a las salas del Museo Franz Mayer

Foto: Cortesía World Press Photo

Durante el mes de febrero de forma anual, un prestigioso jurado compuesto por trece miembros escoge las fotos ganadoras enviadas por fotógrafos independientes, agencias de periódicos, revistas y medios de comunicación de todo el globo. Tras la premiación en abril, cada año se exhibe una exposición itinerante que es visitada por más de un millón de personas en 40 países distintos. Para deleite de los espectadores, el World Press Photo 2021 se podrán visitar de manera presencial en las salas del Museo Franz Mayer a partir del viernes 16 de julio y hasta el domingo 26 de septiembre.

Con todos los protocolos de seguridad sanitaria, el espectador podrá sentir la profundidad de las tomas de cerca; que incluyen la mejor foto del año, la instantánea sobre asuntos contemporáneos, la toma que captó el impacto del ser humano sobre el medio ambiente, los proyectos fotoperiodísticos a largo plazo, entre otras categorías.

Body Suit: la expo para fanáticos de los tatuajes llega a la CDMX

Los objetivos prioritarios del World Press Photo en 2021

Foto: Cortesía World Press Photo

Tras un año complejo de retos en todos los ámbitos sociales, el World Press Photo refrenda su compromiso de estimular el desarrollo del fotoperiodismo, fomentar el conocimiento crítico visual y ayudar a consolidar altos cánones profesionales de la prensa fotográfica a escala global, según lo comentado por los organizadores del Museo Franz Mayer.

La foto ganadora de la edición 2021: El primer abrazo fue la capturada por Mads Nissen; en la cual se puede observar a Rosa Luzia Lunardi de 85 años siendo abrazada por la enfermera Adriana Silva de Costa en una casa de reposo en Sao Paulo. Las sensaciones pueden ser múltiples pero reflejan poderosamente un año complejo: la pandemia por COVID-19, la defunción de miles de adultos mayores, pero también la esperanza de un reencuentro con los que amamos.

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Otras fotografías impactantes que se podrán apreciar en el Museo Franz Mayer

Foto: Cortesía World Press Photo

En la categoría de Medio Ambiente, Ralph Pace se alzó con el triunfo, y no podía ser de otra manera: su fotografía captura a un lobo marino nadando hacia un cubrebocas desechado al océano. Imágenes tan poderosas como esta se podrán apreciar en el Museo Franz Mayer y hacernos cuestionar sobre qué oportunidades realmente merece el ser humano si no comienza a cuidar su entorno natural con acciones contundentes inmediatas.

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Algunas otras categorías que buscan impactar a los espectadores son las de Proyectos a largo plazo y Retrato Individual. Los fotoperiodistas pasan por un proceso de inmersión para poder capturar estos momentos. El ganador de este año para Proyecto a Largo Plazo es Antonio Faccilongo y la fotografía muestra a un bebé recién nacido en una incubadora en un hospital de Gaza. La muerte de la guerra perpetua y la vida que apenas florece en un mismo encuadre.

En el Franz Mayer podrás ver la foto ganadora al segundo lugar en la categoría Retrato individual del orgullosamente mexicano Iván Macías. Titulada Covid-19, primera en responder muestra el rostro agotado de una integrante del personal médico de primera línea agotada, pero dispuesta a seguir en la batalla salvando vidas.

Bonus: El universo de un Diseñador: Alexander Girard en el Franz Mayer

Foto: Cortesía Museo Franz Mayer

Este verano el Museo Franz Mayer tiene propuestas muy interesantes. Además, del World Press Photo continúa la muestra en retrospectiva de uno de los diseñadores más importantes del siglo: Alexander Girard. Conformada por 683 piezas en una destacada selección de sus textiles, muebles, maquetas, dibujos, así como un archivo exclusivo de fotografías. ¡No te puedes perder esta oportunidad traída desde el Vitra Design Museum de Alemania!

Para que te animes a vivir esta experiencia el Museo Franz Mayer y Dónde Ir te regalamos cuatro pases dobles para descubrir esta fascinante exposición. Lo único que necesitas es responder la siguiente pregunta ¿Para qué compañía realizó Alexander Girard sus diseños con artesanos mexicanos?; no olvides enviar tu nombre, teléfono, correo electrónico y la respuesta a trivias@donde-ir.com. ¡Y listo, te notificaremos en breve si fuiste de los primeros en responder!

• ¿Dónde? Museo Franz Mayer Av. Hidalgo 45, Centro Histórico, C.P.06300, CDMX.
• ¿Cuándo? Martes a domingo de 11:00 a 17:00 horas.
• ¿Cuánto? Admisión general $70. Estudiantes, profesores, INAPAM $25. Público general los martes y niños menores de 12 años entrada gratuita.

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Eugenia García Fernández

Body Suit: la expo para fanáticos de los tatuajes llega a la CDMX

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Body Suit, boceto de tatuaje para cuerpo entero es la nueva exposición que llega al Museo de la Ciudad de México para deleitar a los fanáticos de la tinta. Esta muestra podrá ser visitada del 11 de junio al 12 de septiembre de 2021. 

Esta exhibición cuenta con todas las medidas de seguridad sanitarias. Reúne el trabajo de 57 artistas del tatuajes mexicanos, estadounidenses, europeos y latinoamericanos. El objetivo es posicionar en el lugar que merece a las manifestaciones artísticas que se plasman en la piel.

Body Suit: la exposición que revindica el lugar artístico merecido por los tatuadores

Foto: Cortesía Museo de la Ciudad de México

En palabras de Vannesa Bohórquez López, titular de la Secretaría de Cultura de la CDMX, es un motivo de orgullo presentar una exposición que de cabida a los artistas del tatuaje; siendo el Museo de la Ciudad de México el primer recinto en abrir sus puertas a una muestra de esta índole. Además, se contó con el trabajo de un colectivo de tatuadores, el Archivo Mexicano del Tatuaje y la Editorial Tinta y Sangre.

La selección fue realizada por Edgard Gamboa y Adrián García, quienes seleccionaron entre más de 100 bocetos las obras más impactantes para su exhibición. Como antecedente a esta muestra se tiene una exhibición de 2016 realizada en la Galería Principal de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado; caracterizada por sus muestras alternativas.

Las exposiciones imperdibles para julio 2021 en CDMX

La gran popularidad de la tinta: más de 12 millones de mexicanos tienen un tatuaje

Foto: Cortesía Museo de la Ciudad de México

En la inauguración de la muestra Body Suit, Bohórquez también señaló que según el Consejo Nacional para Prevenir la Discriminación: una de cada diez personas en el país tiene tatuajes, lo que quiere decir que más de 12 millones de mexicanos están tatuados.

En ello radica la importancia de derribar estereotipos conservadores y generar espacios abiertos al arte en sus diferentes modalidades. Cabe destacar que el cuerpo humano como lienzo tiene más de 5 mil 300 años, tiempo aproximado que tiene la primera persona con un tatuaje que han encontrado los arqueólogos.

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¿Qué se puede ver en la exposición Body Suit: boceto de tatuaje para cuerpo entero?

Foto: Cortesía Museo de la Ciudad de México

La muestra se compone de 86 bocetos para exponer el arte de pigmentar la piel desde los tradicionales modelos hasta la renovación de los dibujos tradicionales. Los tatuajes fueron elaborados en primera instancia sobre madera, acrílico y papel. Para posteriormente, ser plasmados en tinta y acuarela sobre papel algodón. ¡Tatuajes para cuerpo entero que recuerdan el famoso cuento de Ray Bradbury “El hombre ilustrado”!

Tendencias de tatuajes para 2021: estilos, técnicas y temas

Los espectadores podrán conocer las características de diversos diseños: el tipo tribal, aquellos con temática de muerte (black and gray), de la vieja escuela (old school); así como los neotradicionales con arriesgadas paletas de colores que se han integrado con dibujos vinculados a la iconografía prehispánica, el uso de símbolos religiosos, la cultura pop y de barrio.

Además, se podrá observar un muro intervenido, donde tatuadores plasmarán un boceto de la Real Batalla, un clásico del mundo de la tinta. ¡Toda una variedad para que incluso elijas alguna idea para tu próximo tatuaje! Así que ya sabes, lánzate a la exposición de tatuajes Body Suit y recuerda las palabras de Michelle Delio “Los tatuajes tienen un poder y una magia propios. Decoran el cuerpo, pero también, realzan el alma.

• ¿Dónde? Museo de la Ciudad de México José María Pino Suárez 30, Centro, C.P. 06060, CDMX, México.
• ¿Cuándo? Del viernes 11 de junio al domingo 12 de septiembre del 2021. De martes a domingo de 11:00 a 17:00 horas.
• ¿Cuánto? Entrada general $36. Estudiantes, profesores e INAPAM 50% de descuento. Entrada gratuita los miércoles

La entrada Body Suit: la expo para fanáticos de los tatuajes llega a la CDMX aparece primero en Dónde Ir: Tu guía de la Ciudad de México. ¿Qué hacer hoy?.

Eugenia García Fernández